Chris Wiegand
CA OnCurrent London Productions apresentou recentemente Édipo como um político moderno comprometendo um novo começo (Marque forte no West End) e como um detetive distante que investiga uma catástrofe climática que compromete o futuro dos Bans (Rami Malek no velho Vic).
A peça tardia de Sophocles, Édipo em Colonus, menos conhecida, parece não adiante, mas para trás. Essa tragédia elegíaca encontra o exílio que chega ao fim de sua vida. O público de 5.000 pessoas no antigo teatro ao ar livre de Syracuse ouve o Édipo de Giuseppe Sartori antes de vê-lo. Seu pessoal de madeira atinge os degraus enquanto ele desce entre nós, até a primeira fila e para um palco povoado por árvores que engrossam a floresta ao redor do teatro. “Parece que este lugar é sagrado”, anuncia Antigone (Fotinì Peluso) ao lado do Wanderer. Isso vale para esse espaço de jogo siciliano, bem como o cenário de Colonus do drama, perto de Atenas.
Fisicamente frágil, Édipo está se aproximando de seu lugar de descanso, mas Sartori nos mostra surpreendentemente um homem que fica cada vez mais forte não mais fraco diante da morte. Além do confiável Teseu (Massimo Nicolini), os habitantes de Colonus recuam em sua chegada, não apenas porque ele a traia pelo terreno proibido dos Eumenides. Sem sequer se apresentar, sua mancha é aparente. Um local limpa desesperadamente as pegadas sujas que esse estranho esfarrapado deixa para trás.
Na peça, Édipo faz sentido, ou melhor, chega a um acordo com um passado que é indizível – literalmente, quando ele implora para não recauir as horríveis revelações sobre seus pais. Sartori agarra sua capa em volta de si mesmo, como se tivesse cobrindo sua modéstia, apenas para revelar um peito nu, pois os eventos da tragédia anterior não são pushados. Ele descobre que exerce um poder na escolha do lugar de sua morte e pode controlar o resultado da batalha entre seus filhos. Mas o conflito mais afetado da peça é interno, pois Édipo encontra paz consigo mesmo e a equipe é jogada para um lado: “Eu fiz o que fiz, sem saber”.
A cura e um senso de purificação estão no coração da produção tensa do canadense Robert Carsen usando a tradução emocionalmente direta de Francesco Morosi para esta temporada, onde as peças são realizadas em italiano com outros idiomas disponíveis para o público por meio de fones de ouvido. Jarros de água são esvaziados ritualmente na orquestra, o espaço entre estágio e público, pelo refrão. Ou melhor, por um dos refrões. Assim como o pacote turbulento de homens de adequação branca, uma irmandade em vestidos verdejantes chega para proferir um discurso sinalizando a beleza radiante de Colonus, suas palavras faladas como se fossem intoxicadas por sua beleza e seus corpos posados para evocar brotos verdes de renovação. As mulheres também recebem a avaliação dolorosa e movente de Sófocles sobre a inevescapabilidade do sofrimento e da morte. Somente a decisão de emprestar Édipo parte de sua coreografia atinge uma nota estranha que enfraquece a qualidade misteriosa e secreta de sua morte transformadora.
Carsen equilibra os ritmos contrastantes de uma peça que, com o esquema chocado por Creon (um Paolo Mazzarelli, de forma suavamente malévola), momentaneamente se agarra a um thriller em meio aos pronunciamentos fortemente reflexivos. “Time vê tudo”, executa um. Como se quisesse nos lembrar, as árvores altas do designer Radu Boruzescu, plantadas em um estágio de linhas em camadas semelhantes ao público da encosta, observa tudo por toda parte.
A floresta resiliente de Colonus contrasta fortemente com o cenário de Gianni Carluccio para Electra, a segunda tragédia na temporada em Syracuse. O estágio de Carluccio é inclinado em vez de pisar; Grande parte do drama se desenrola em um piso inclinado que se assemelha ao exterior desmoronado de um edifício. A queda da casa de Atreus.
O piano coberto de poeira e a cama presa dão a sensação de que Electra ainda reside em um mundo antes da substituição brutal de Agamenon por Aegisthus no lado de Clytemnestra. As janelas, neste ângulo, tornam -se sepulturas abertas; Uma composição de cordas de queixa reverbera de dentro ao lado do som em loop de vidro quebrado. As lajes arrasadas na parte de trás do set também começam a se assemelhar a fragmentos de papiros.
Sob a direção de Roberto Andò, esta nova tradução penetrante de Giorgio Ieranò afina a afinidade de Electra com o mundo natural. Seu discurso de abertura (“O Pure Sunlight”) é dado no piano. No papel -título, Sonia Bergamasco é tão indelével quanto Édipo de Sartori – sua dor também torce por seus gestos (um joelho é enfaixado e ela se move como um animal ferido) enquanto sua mente processa logicamente as ações de seu pai. Vestida em cinza irregular, ela parece se fundir com o chão quando está quieta, mas, de outra forma, é um frenesi de rebelião. Um calor semelhante sobe de um coro feminino que chuta de cabelo, muitas vezes sibilante em vestidos de turno. A visão da urna supostamente contendo as cinzas de Orestes é sentida no intestino: ela amassa por dentro, acariciando ternamente o objeto como se fosse seu corpo.
Frequentemente, é perguntado por que Orestes estende a dor de Electra, agitando seu retorno no palco, mas Roberto Latini nos dá um irmão que depois de planejar friamente os eventos é surpreendido por sua reunião, quase incapaz de compreendê-la, com medo de sua reação. O momento é ricamente complexo. Ao contrário de Brie Larson em a recente produção de LondresBergamasco é bem -sucedido ao se entregar à raiva com tristeza. Ela também é uma partida sardônica para Clytemnestra (Anna Bonaiuto) que detona as falas: “Ser mãe é uma coisa assustadora. Por tanto quanto eles o odeiam, não há como odiar seus próprios filhos”. Este Electra é tão fisicamente enojado quanto Hamlet é da “cama de Enseamèd” da mãe.
Um senso de concurso é inseparável com o trabalho de Sófocles, que foi inserido regularmente em competições atenienses, e uma das cenas mais difíceis da peça para conquistar é a fabricação de ação do Paedegogus detalhando a morte de Orestes em uma corrida de carruagem. Danilo Nigrelli dirige o discurso soberbamente, apenas o vento a ser ouvido durante cada pausa, seu efeito de transfixação aumentou por um coro que se aproximava mais do caixa. Você quase acredita que a mentira e alcance a beira do seu assento, à medida que a estase de Electra é sucedida por uma vingança rápida e implacável.
