Veronica Esposito
TAken muito cedo pela pandemia da AIDS, o artista Larry Stanton criou um trabalho para um exuberante e prodigioso punhado de anos antes de morrer em 1984 aos 37 anos. Campoado por David Hockney, cujo trabalho suas pinturas no momento se assemelham, Stanton se destacou na criação de retratos de gays que são ao mesmo tempo em que se assemelham.
Galeria de limpeza em Los Angeles está apresentando uma pesquisa sobre o trabalho do artista intitulado Pense em mim quando troveja, uma referência a uma das últimas coisas que Stanton disse a seu amante de longa data, Arthur Lambert, enquanto estava no leito de morte do hospital. Tentando amenizar a dor de assistir seu confidente e amante se deteriorando, Stanton disse a Lambert para “pensar em mim quando troveja”. Mais tarde, o último lamentou que “não troveu todos os dias”.
Em um programa que, de muitas maneiras, funciona como um memorial a uma geração de gays perdidos para a AIDS, e um lembrete de um governo insensível que não atendeu às suas necessidades, uma das obras mais comoventes é chamada de desenho hospitalar, uma das muitas peças que Stanton criou enquanto estava no hospital. O trabalho mostra um céu e o oceano felizmente azul com as palavras “eu vou fazer isso” inscrito em cores do arco -íris.
“Havia todas essas frases que ele estava escrevendo no hospital”, disse Fabio Cherstich, diretor da propriedade de Stanton e um notável diretor de ópera e teatro italiano. “Ele escreveu coisas como: ‘Eu vou conseguir’ ou ‘A vida não é ruim, a vida não é boa’. De certa forma, ele estava processando o fato de estar morrendo pela arte. ”
Na galeria de compensação, o desenho do hospital está pendurado em sua própria parede, uma luz radiante acima dela. O trabalho deve ser abordado cautelosamente e para ser demorado. “É tão poderoso”, disse Cherstich, “é como ele conversando com você. É muito forte para mim. Quando penso nisso, fico muito emocional. ”
Para a maior parte de sua vida muito abrangente, Stanton não era um pintor. Ele saiu do norte do estado Nova Iorque e para a cidade de Nova York aos 18 anos, chegando em 1965 e mergulhando na cena gay em Greenwich Village. “Ele não pretendia fazer arte, ele só queria aproveitar a liberdade de estar em Nova York”, disse Cherstich. “Era o lugar perfeito para alguém que procurava a liberdade de explorar sua sexualidade”.
A beleza de Stanton fez dele um sucesso imediato em cena e, em 1967, ele conheceu Lambert enquanto visitava o Fire Island. Segundo Cherstich, Lambert literalmente pulou ao ver Stanton do outro lado da rua e imediatamente o quis conhecê -lo.
Os dois rapidamente se apaixonaram e, em 1968, Stanton seguiu Lambert até a Califórnia, onde Lambert pagou por ele para se matricular em dois semestres de escola de arte. Infelizmente, Stanton fez um aluno pobre. “Ele estava facilmente entediado e não queria estudar de maneira tradicional”, disse Cherstich.
Sempre persistente, Lambert mais tarde organizou uma reunião com David Hockney, que foi ao artista mais jovem e rapidamente construiu uma estreita amizade com ele, tornando -se um impulsionador de seu trabalho. “Hockney viu que era extremamente bonito e extremamente inteligente”, disse Cherstich.
Embora Stanton tenha desenvolvido um relacionamento próximo com Hockney e até viajou com ele, não foi até quase uma década depois que ele levou a arte a sério. Em 1978, quando a mãe de Stanton morreu de câncer, ele experimentou um episódio psicótico que levou à sua hospitalização, marcando um ponto de virada para sua vida. Ele percebeu que tinha que fazer algo de si mesmo e começou a dedicar sua vida de todo o coração à arte.
Stanton trabalhava febrilmente, às vezes tornando os transeuntes incidentais pelo assunto de uma peça. “Parecia que ele desenharia alguém que ficaria ainda tempo o suficiente para ser atraído e, quando não havia mais ninguém, ele se desenhou”, escreveu Lambert uma vez sobre ele. Em alguns de seus trabalhos, Stanton inscreveria alguns detalhes importantes nas costas – um local, hora do dia e um número de telefone, sugerindo que muitos dos sujeitos de Stanton eram amantes casuais. “Pode ter sido apenas um encontro casual, ou possivelmente houve uma tarefa organizada para o final do dia”, disse John Utterson, diretor da Galeria de Clearing. “Tipo, ok, 18h na Broadway, é onde estamos nos encontrando.”
Segundo Utterson, a maneira como Stanton seria tão intensamente e quase ingenuamente ingênua e pintar conhecidos da cena gay de Nova York dá ao seu trabalho um frescor que faz fronteira com o antropológico. “O trabalho mostra Stanton como um observador de certos segmentos da sociedade do final dos anos 70 a meados dos anos 80”, disse Utterson. “É sua visão particular daquele momento, que é diferente de qualquer outra pessoa. O que acho tão interessante é a idéia desses trabalhos como documentos históricos, essas imagens e vinhetas que capturam um momento no tempo. Durante esse período de tempo, o mundo mudou para sempre, então esses trabalhos estão vinculados a esse breve período de cinco anos dessa maneira muito particular. ”
Compreendendo cerca de 30 peças, pense em mim quando troveja tenta ser representativa da obra muito maior de Stanton, reunindo trabalhos em papel e pinturas, além de vídeos super 8 que ele tirou. Os vídeos incluem imagens notáveis de Hockney, criando suas célebres piscinas de papel em sua oficina, bem como gravações da Parada do Pride da cidade de Nova York do final dos anos 70.
A experiência de ver a arte na galeria é assustadora e poderosa, como se os anos 80 estivessem olhando para você. Embora as pinturas tenham uma qualidade do cotidiano e do momento, também há algo profundamente penetrante e até triste para eles. “A maneira como ele se concentra nos olhos foi notável”, disse Cherstich. “Essa é uma das primeiras coisas que você percebe: a maneira como elas olham para você, eles imediatamente chamam sua atenção.” Utterson acrescentou: “Você pode dizer que há uma conexão muito forte entre artista e assunto, porque existe essa intensidade do olhar”.
É a marca da grande arte que o trabalho de Stanton pode manter sua força ao longo do período de décadas, um testemunho de seu imenso talento e capacidade de aliviar a alma humana. Como Utterson disse: “Mesmo que estejamos olhando para essas pinturas mais de 40 anos depois, elas mantêm esse imediatismo. Eles estão fora do manguito, mas confiantes e vulneráveis. ”
