Jon Savage
EUEm meados dos anos 70, Alan Jones estava realizando um ato de equilíbrio particularmente requintado. Um habitue da boutique de Londres de Vivienne Westwood e dos clubes gays, ele estava na linha de frente de duas culturas aparentemente opostas: punk e disco. Cada acampamento pode ter pensado que o outro completamente incompreensível – ruído sem sintonia ou hedonismo vazio – mas para ele era bastante natural: como ele diz: “Eles se misturaram em minha mente. Era tudo sobre sair e se divertir; A música era intercambiável. E uma vez que Vivienne começou suas linhas de roupas de fetiche, ele se encaixou nas duas arenas. ”
No entanto, havia pontos de pitada. Em abril de 1976, Jones deu um pouco de pistolas sexuais quando eles tocaram um clube de strip do Soho, El Paradise. Chegando com seu “novo melhor amigo” John Paul Getty III – fresco de seu seqüestro na Itália – Jones decidiu um conjunto de discotecas.
Quando isso “limpou a pista de dança desalinhada”, ele tentou outra abordagem – Kitsch: Julie Andrews cantando Millie completamente moderna. Quando Johnny Rotten alcançou e rasgou o recorde do convés, Jones retaliou com os punks brancos dos tubos em drogas, tocou quatro vezes em sucessão. Ele não foi perguntado de volta.
Essas e outras aventuras subculturais são exploradas no novo livro de grande formato de Jones, Discomania: Fantastic Beats e onde encontrá-las. É um compêndio pictórico completo da estética da discoteca, centrada nos filmes de discoteca: Jones trabalha como crítica de cinema desde o final dos anos 70. Para aqueles que procuram uma educação nesta forma fabulosa, mas muito difamada, não procure mais: Jones entrelaça discussões sobre rótulos de disco, Disco Divas, livros de discoteca (incluindo Andrew Holleran’s Peerlessless Dançarina da dança), clubes de discoteca e produtores de discoteca, de Giorgio Moroder a Alec Costandinos e Boris Midney.
Assim como a história de uma forma musical muito difamada, mas ainda altamente relevante, Jones revela elementos subexplorados do estilo de vida gay do período: cantores como Chris Robison (que fizeram turnês com o Bonecas de Nova York), voos baratos para Nova York, o relacionamento entre a Frente de Libertação Gay e as drogas de disco e o carrossel do London Club: Bang na segunda-feira, o Sombrero na terça-feira, Glades na quarta-feira, Napoleão’s na quinta-feira, Adam na sexta-feira e a embaixada no fim de semana.
Acima de tudo, Discomania é a história de um homem gay corajoso e ultrajante que se viu no centro de um momento fascinante na cultura pop. É o livro de um fã, e o entusiasmo é generoso e contagioso. Como Jones escreve, “a década de 1970 foi uma longa festa para mim. Foi uma era de descoberta, de se tornar visível pela primeira vez, de busca de prazer de me de diabo e do momento mais memorável musical da minha vida. O boom da discoteca chegou à cena do clube, assim como eu e nós dois se fundimos como um. ”
Jones mudou -se de Portsmouth para Londres quando adolescente em 1969. Ele rapidamente encontrou trabalho no varejo: uma passagem pela Great Gear Trading Company foi seguida por uma revelação quando encontrou a loja de Westwood e Malcolm McLaren na 430 Kings Road, depois chamou Let It Rock. “Eu fui lá no final de 1971; Let It Rock estava aberto apenas alguns meses. Se você fosse uma vítima de moda, a Kings Road era o lugar para estar no sábado, e eu arrastaria todas as lojas sem parar. Muitos não contornaram a curva repentina da estrada até o fim do mundo, mas eu nunca olhei e nunca olhei para trás. ”
Em 1974, Jones estava trabalhando em Let It Rock enquanto mudava para o sexo. Como uma emissora destemida dos designs da loja, ele esteve envolvido em incidentes memoráveis, como sua prisão em agosto de 1975 por usar a infame camiseta de Westwood Cowboy-com dois cowboys seminuos com pênis quase tocantes-em Piccadilly Circus e Uma notória sessão de moda de junho de 1976 Para o fórum, a revista Sex, que incluía Steve Jones, dos Sex Pistols, Danielle Lewis, Chrissie Hynde, Jordan e Westwood. Jones usava uma camiseta que proclamava pervertido em ossos de frango.
Ao mesmo tempo, Jones estava trabalhando no Hotel Portobello, que ele chama de “um mega-celebridade de regar: eu festejei com todos, de Abba e David Bowie a Queen e Jack Nicholson”. Ele também conheceu o autor de ficção científica Harlan Ellison, que o incentivou em sua longa carreira como um revisor de culto e culto. “Eu fiz muitos turnos noturnos”, lembra Jones, “e aparentemente não precisava de dormir – eu o malabarei de sexo e puxei dois salários. Eu nunca estive em casa. Eu estava trabalhando, disputando ou fora de qualquer cena. ”
Além das primeiras agências do punk, a grande revelação de Jones estava ouvindo O tema do amor de Love Unlimited Orchestra Em uma visita a Los Angeles no final de 1973. Em sua narrativa, isso coincide com um filme de discoteca muito precoce, o filme de gângster de Blaxploitation, The Mack, com uma excelente trilha sonora – lançada na Motown – de Willie Mack. Combinado com a música que ele ouviu nos clubes gays da Court de Earl, como o mascarado e as catacumbas, Jones havia descoberto sua tribo e sua obsessão ao longo da vida.
“A discoteca é tão importante para mim, porque estava emergindo como uma forma musical, assim como eu estava surgindo para um novo mundo emocionante”, escreve Jones, e o Discomania segue a incrível e inexorável ascensão do gênero. Originou -se em clubes underground New York Gay, Black and Latino, como The Loft, de David Mancuso, e The Gallery, de Nicky Siano. Depois que o escritor de Rolling Stone, Vince Alecti, pegou a maré em ascensão com um artigo encabeçado a Discoteque Rock ’72: PaaaaArty!, A onda quebrou em 1974 e no início de 1975, como nós, no 1s, por Love Unlimited Orchestra, MFSB, MFSB, George McCream, a corporação de Hues e a Branca e a Labelina Atraída Atrairam Mainsstre.
Como Jones deixa claro, as pessoas LGBTQ+ eram “uma das forças minoritárias” por trás dos primeiros dias da discoteca. Em 1975 e 1976, o som estava encontrando seu lugar nos clubes gays do Reino Unido, refletindo o poder de compra da “libra rosa” e fornecendo a trilha sonora a uma era de maior exposição gay. Jones descreve um turbilhão de prazer: “Todas as noites significavam um local diferente, mas geralmente a mesma multidão-amigos que só existiam como tal na névoa cheia de fumaça sob o show de luzes caleidoscópicos”.
High Summer 1977 viu o florescimento completo da Disco, com o euro e a discoteca eletrônica combinando no excelente registro da época, Sinto amor por Donna Summer. Seu apelo gay é resumido por Jones como “o elemento de fantasia de tudo, o apelo da diva/deusa dos artistas. Troque Judy, Shirley e Liza em concerto por Donna, Gloria e Grace na boate mais acessível e você pode facilmente sinalizar sua devoção na pista de dança. As bonitas melodias de canto, a oportunidade de adicionar seus próprios cantos e o elemento de exibição comunal-sempre uma coisa gay. ”
As pessoas LGBTQ+ também estavam envolvidas nos primeiros dias do punk – com fãs como Berlin Bromley, que saíram com Siouxsie Sioux e Billy Idol, e locais como o clube lésbico Louise. E, no entanto, eles ficaram longe da discoteca e dos clubes gays associados.
“Os punks nunca pensaram que o disco era relevante da mesma maneira que seu gênero preferido”, sugere Jones. “Não que eu tenha tido algum argumento sobre isso ou qualquer coisa.” Seu hábito de montar as duas culturas terminou com a viagem de barco de pistolas sexuais de junho de 1977, que desceu em brigas e várias prisões: “Esse foi o ponto de virada para mim. Estava ficando muito violento. Disco era mais eu, e eu apenas me mudei direto para isso. ”
Para Jones, o ponto alto de sua experiência com discoteca ocorreu no final de 1977, quando ele participou da pré -visualização de Guerra nas Estrelas – “seguida pela pós -partia de celebridades e depois dançando a noite toda à versão da MECO Disco da trilha sonora no dia em que meus primeiros recursos foram publicados na revista Cinefantastique. A confluência de todas as minhas vidas se fundindo foi tão incrível e emocionante. Lembro -me de cada segundo daquela noite! ”
Em 1978, a Disco tornou-se um monólito cultural completo nos EUA, graças à Saturday Night Fever. A essa altura, a música havia se tornado completamente codificado, mas, no seu melhor hipnótico, ofereceu uma síntese de hedonismo, fantasia, sobrenatura (todos esses registros sobre espaço), movimento e sexo (faixas como o retiro de Platão de Joe Thomas e a ilha de prazer de Paul Jabara, uma ode à vila gay na ilha de fogo de Nova York). Também, com o sucesso de artistas totalmente LGTBQ+, como Sylvester, trouxe uma nova visibilidade para os gays e a cultura gay.
Jones faz um bom argumento para a persistência do gênero após o acidente de 1979 – o ano do Noite de demolição de discoteca infameem que uma caixa de discos de disco foi explodida em um campo de beisebol em Illinois. Pode ter derramado sua terminologia, mas a forma continuou no crossover da New Wave e o que seria chamado de Hi-Energy e Italo-Disco, e depois abriga no final dos anos 80. Como Jones diz: “Se você pode dançar, é disco”. O livro rastreia a longa cauda de Disco no século XXI, com filmes como o leite (a cinebiografia do político gay de São Francisco, cuja ascensão foi paralela à de Disco e marcou um ponto alto de visibilidade gay), comédias de acampamento como Poltergay e 2018’s Documentário do Studio 54.
Por que Jones pensa que isso suporta? “Porque pode resumir um tempo e um lugar tão rapidamente”, diz ele. “Veja todos os filmes e comerciais atuais usando sim senhor, posso boogie, sinto amor, nascido para estar vivo. Eu sempre soube que Disco duraria, e 50 anos não mostra sinal de desaparecimento, porque na maioria das vezes as músicas e cantores eram de alta qualidade. ”
